“빛은 기쁨과 희망의 상징으로 쓰이며 에너지의 원천이다. 그 한 줌의 빛을 담아 예술을 표현함은 나에게 큰 기쁨이다.” 작가는 끝없이 자신의 가치를 증명해야 하는 사회 속, 인간은 이미 존재 자체로 빛을 가지고 있음을 이야기한다. 빛의 아름다움을 시각적으로 구현한 작품 ‘Let there be light’는 차가운 금속과 네온을 통해 태초의 빛이 가진 아름다움으로 전시장을 밝힌다. 조각가이자 키네틱 아트, 설치, 멀티미디어, 드로잉 등 다양한 장르를 넘나드는 작가, 안형남은 1982년 한미

박원주의 작업은 사물과 관람자 사이의 관계가 형성되는 방식을 섬세하게 조율한다. 본래 투명해야 할 액자의 유리와 균질해야 할 프레임은 의도적으로 굴곡지고 왜곡된 표면을 지니며, 시선이 매끄럽게 관통되는 것을 지연시킨다. 관람자는 작품을 한눈에 파악하기보다 유리 너머를 들여다보려는 시도를 반복하며 자연스레 작품 앞에 머무르게 된다. 이 과정에서 시선은 점차 촉각에 가까운 감각으로 전이되어, 표면을 더듬는 듯 작품을 인식하게 된다. 빛과 몸의 움직임에 반응하는 유리는 작품과 관람자 사이에 즉각적으로 해소되지 않는 거리를 형성하며, 이

“까마귀는 반짝이는 물건을 물어다가 둥지로 가져가고 연가시에 감염된 사마귀는 햇빛에 반짝이는 물을 인지하고 물속으로 뛰어든다. 인간뿐 아니라 많은 동물도 반짝거림을 좇는 본능을 가지고 있다.” 투명레진, 윤기나는 진주펄, 고도로 연마된 유리와 같이 인위적인 광택을 극대화하는 재료를 사용하여, 관람자의 시선을 사로잡는다. 작업 속에서 반짝이는 표면은 단순한 미적 요소가 아니라, 생존적 가치가 사회적 가치로 변형된 지점을 은유적으로 보여주는 장치이다. 관객이 작품의 빛에 매혹되는 순간, 스스로가 진화적 본능과 현대

꼭두는 전통 장례의 사용된 목인(木人)으로 망자와 동행하며, 저승길 안내와 호위, 재주를 통한 위로 등의 역할을 맡았고, 동자석은 망자의 사후 세계의 생활을 배려하는 후손들의 마음이 담긴 유물이다. 전통 장례를 상징하는 유물인 꼭두와 동자석은 오랜 시간 인간의 영혼을 기억하고 위로하는 역할을 해왔다. 전시는 꼭두와 동자석을 현대 미술의 언어로 재해석하며, 인간이 만들어낸 ‘대리하는 몸’의 의미를 탐구한다. 이승과 저승을 동등하게 바라보던 선조들의 세계관과 오늘날 우리가 마주하는 존재들에 관한 질문을 교차시키며,

작가는 한국적 상징인 달항아리를 새롭게 해석한다. 사회적으로 ‘아름답다’고 규정되어 온 전통 이미지에 의문을 제기하며, 표면의 굴곡과 균열, 왜곡을 통해 강요된 아름다움이 아닌 살아 있는 아름다움을 제시한다. 완벽하지 않기에 오히려 진실한 이 항아리들에는 흙의 숨결, 불의 흔적, 작가의 호흡이 공존한다. 이는 전통의 부정이 아니라, 이미지의 해체를 경유해 본질을 되묻는 ‘파괴로부터의 학습’에 가깝다. 결국 이 전시는 흙이 기억하는 시간과 인간이 감각하는 순간이 만나는 경계에 서 있다. 흙의

아날로그 영화필름은 과거 시대를 살아간 사람들의 꿈, 갈등, 욕망, 사랑을 담고 있는 타임캡슐과 같다. 작가는 35mm, 16mm, 8mm 등 다양한 규격의 폐필름을 잘라내고 조합하여 좌우 대칭의 기하학적 패턴과 원형 구조 등 회화적 구성을 통해 평면에 고정시킨다. 물리적으로는 평면적인 필름 조각들이지만 배열과 중첩, 조명과의 상호작용을 통해 입체적 층위와 시지각적 깊이를 만들어낸다. 이는 영화가 가진 시간성과 서사성에서 벗어나 기억과 감정을 정지된 조형언어로 변환하는 작업이다. 폐기된 필름이 회화적 언어로 다시 태어나는 과정은 현

한진섭 작가의 손을 거친 돌은 속삭이고, 웃고, 때로는 장난스럽게 윙크를 하기도 한다. 무엇보다도, 작가는 무겁고 투박한 재료인 돌에서 섬세함을 발견한다. 작가의 손을 거쳐 간 대리석은 그 무게를 상실한 듯 깃털처럼 가볍고 부드러워 보이기까지 한다. 돌을 깎는 일은 곧 소거의 작업이다. 몸과 마음이 모두 가벼워질 때까지, 천천히, 하나씩, 필요로 하지 않는 것들을 내려두며 본질에 다가간다. 또한 이는 기술이 아닌 태도이다. 애정 어리고도 유머러스한 시선으로 인간과 삶을 깎아내는 것. 이로써 작가는 복잡한 현실에서 순수한 감정을, 거

변선영 작가는 처음에는 정물화의 중심 대상만을 바라보았지만, 점차 벽지·레이스·달력·배경 같은 ‘가치 없다고 여겨진 것들’에 관심을 두기 시작했다. 그녀는 우리가 당연하게 여겨온 가치 기준에 의문을 던지며, ‘가치의 정체성’을 전도하고 혼재시키는 작업을 통해 기존 인식 체계를 흔든다. 작품 속 명화, 정물, 패턴, 가구들은 시간과 문화를 넘나드는 혼성적 존재로 작가는 이들을 공들여 그리며 ‘무가치한 것의 미학’을 탐구한다. 세밀하고

작가는 옻칠이라는 전통재료를 기반으로 물질과 정신, 시간과 기억의 층위를 탐구하는 독자적 언어를 구축해 왔다. 옻칠을 덧입히고 갈아내는 반복적 과정은 단순한 물리적 흔적의 축적이 아니라, 기억이 퇴적되고 시간의 심연이 드러나는 일종의 실존적 수행이다. 그의 화면은 단색의 평면이 아니라 보이지 않는 시간의 흔적이 압축된 ‘형상’으로 이는 곧 존재의 본질을 가시화하는 정신적 이미지라 할 수 있다. 그의 옻칠 회화는 한국적 전통을 계승하면서도 단순한 재료 실험에 머물지 않는다. 사포질의 반복 속에서 드러나는 우연적

작가는 ‘지각의 추상’을 통해 보이는 세계 너머의 감각적 진실을 탐구한다. 회화는 순간적인 인상과 내면의 정서를 교차시키며, 감정의 구조를 화면 위에 드러낸다. 35년간의 작업을 통해 축적된 깊이와 밀도는 단순한 재현을 넘어 인식의 과정을 회화로 번역한다. 색과 선, 여백은 감정의 지형이자 기억의 흔적이며, 붓질은 존재를 확인하는 행위가 된다. 급변하는 시대 속에서 작가는 인간의 감각이 만들어내는 미묘한 떨림과 따뜻한 불완전함을 회복시킨다. ‘지각의 추상’은 결국 변화하는 현실 속에서도 여

어릴 적 아버지와 함께 산 시간이 많지 않았던 작가에게 그림 속 오각형의 이미지는 곧 ‘아버지의 집’이었다. 방황하던 작은아들이 그리워한 그 집, 바로 아버지를 만나는 자리. 그렇게 시작된 ‘집’은 어느 순간 고향이자 안식처, 그리고 작가 내면의 풍경으로 확장됐다. 서양화를 전공한 작가는 8년간 동판화로 작가 활동했다. 그 과정에서 익힌 긁기, 부식, 닦기 등 동판화 공정을 회화에 접목하고, 레진과 건축 재료 등 이질적 물성을 결합한다. 여러 번 바탕을 올리고 다시 긁어 색을 드러내며, 부

작가의 초기 작업들이 일상의 단편적 인상과 감각을 추상적 제스처로 환원해 회화적 언어로 구축하는 과정이었다면, 작가는 「위장된 오렌지」 연작을 계기로 회화의 내부를 다시 보기 시작하는 전환점을 맞이한다. 「Puddle Jumper」 연작은 그 구조적 탐구로부터 잠시 벗어나 회화의 물성과 손의 리듬으로 되돌아간 시기였다. ‘Puddle Jumper’는 물웅덩이를 뛰어넘는 아이의 몸짓처럼 즉흥적이고 유연한 감각을 상징한다. 작가도 보다 자유롭게 움직이며, 붓질의 흔적과 물감의 층위, 마름의 속도가 만들어내는 리듬을

작가는 어린 시절 유독 새를 좋아해 형들과 함께 경주 들판을 뛰어다니며 새를 쫓던 기억을 가지고 있다. 이 기억은 작가에게 자양분처럼 자리 잡았다. 예로부터 새는 사람의 염원을 신에게, 신의 음성을 사람에게 전달해 주는 매개체로 여겨졌다. 현대에서는 어떤 상황에서도 힘을 내 살아가는 사람들의 모습이 이상을 향해 정진하는 새의 모습과 유사하다고 작가는 바라본다. 작가는 새의 외형과 특성에 매력을 느낀 것에 넘어서 돌을 다듬고 갤러리 벽면을 가로지르며 자유롭게 배치했다. 이러한 설치는 관람객의 호기심을 유발하고 각자의 방식으로 &lsq

김이수는 붓 대신 마스킹테이프를 수백 차례 붙였다 떼며 색선과 잔선을 겹쳐 ‘환각적 색면’을 구축한다. 뉴욕 유학 시절 아그네스 마틴 등 추상표현주의의 영향을 받았으며, 후기 단색조 회화의 계보 속에서 독자적 기법을 확립했다. 는 수평축에서 수직축으로 변주한 색면 회화를 통해 하늘·바다·빛의 미묘한 층위를 구현한다. 이번 전시는 수행적 태도와 물질적 실험, 그리고 응축된 사유가 화면 위에 새겨낸 흔적을 통해 한국 추상회화가 쌓아온 정신적&middo

조각의 장르적 특성은 행위, 촉각, 물성 이렇게 세 가지 핵심어로 요약할 수 있다. 작가는 디지털적 전환기에도 조각을 고수하며, 재료 중에서도 유독 나무에 매진했다. 출발은 일상의 사물이었지만 직관적으로 조각에 관한 여러 문제를 살폈다. 점차 구체적인 사물의 형태를 ‘사상(捨象)’하며 ‘추상화(抽象化)’가 진행되었고, 오랜 시간 살아있는 재료인 나무를 다루다 보니 나무와 혼연일체가 되며 ‘재료의 미학’에도 매료됐다. 또한 조각의 장르적 한계라 할 수 있는 작업 순간순간

사후 세계의 자신을 상상하며 테라코타로 만든 자화상 작품이다. 작가가 아끼는 망치, 모자, 붓 등과 함께 존재론적 사유를 담아 조형화했다. 이번 전시는 작가의 오랜 창작 여정과 함께해 온 실제 작업실을 전시장에 축소 재현하고, 이를 하나의 독립적인 작품으로 선보이는 프로젝트다. 스튜디오를 배경으로 삼는 전시가 아니라, 스튜디오 자체가 예술이 된다. 전시 제목은 현실과 비현실, 이상과 실제, 삶과 죽음이 공존하는 작품세계를 함축적으로 가리키고 ‘Twilight Zone’은 작가의 창작 과정이 존재, 지각, 존재의

작가는 해, 산, 새, 나무와 같이 유년기의 단순한 이미지들을 회화의 출발점으로 삼아, 반복적으로 덧그리고 지우는 과정을 통해 단순한 도상을 기억과 시간의 층위로 변환해 왔다. 그의 작업에서 이미지란 고정된 기호가 아니라, 기억의 흔적이며 감정의 파편이다. 이러한 레이어링의 행위는 회화의 표면을 시간과 감각이 응축된 장으로 확장시키며, 관람자에게는 익숙하지만 낯선 회화를 마주하게 한다. 특히 신작에서 선보이는 원형의 얼굴과 직선으로 간결하게 구성된 인물 형상들은 노우찬의 시각 언어를 통해 재해석한 결과물로, 마치 집단의 움직임을 표

작업의 과정은 느리지만 집요하게 진행된다. 작가는 붓, 나이프, 긁개 등을 사용해 물감을 밀고 쌓으며, 그 결과로 표면에 남겨진 텍스처를 오랫동안 응시한다. 그러다 어느 순간, 그의 회화는 단순히 다루어지는 대상을 넘어 자율적인 생명으로 전환되는데 작가는 이때를 ‘인식점’이라 부른다. 그것은 명확하지 않은 상태에서 불현듯 찾아오는 계기로 회화가 방향을 갖는 순간이다. 이때 그림은 작가에게 무엇인가를 요구하고 그는 그 요구에 응답한다. 이번 전시에 선보이는 작업들은 이 같은 회화적 탐구와 응답의 과정을 기록한 궤

작가가 2013년 처음으로 선보인 「코스모스」 연작은 일상에서 볼 수 있는 평범한 오브제를 공간에 배치한 후, 그 위에 색과 그림자를 다시 그려 만들어낸 환영적인 세계를 포착한 작업이다. 화면에 등장하는 거울의 파편이나 물이 담긴 컵, 공, 모래시계, 책, 의자와 같은 익숙한 사물들은 무중력 상태로 공간을 부유하거나, 시간이 멈춘 듯이 고정된 모습으로 초현실적인 분위기를 자아낸다. 작가는 주변에 산재한 오브제들을 마치 우주 공간을 떠도는 행성처럼 보이도록 묘사함으로써 우리 각자의 삶을 하나의 소우주로 인식하게 만든다. 이러한 이미지

양경렬은 반사의 개념을 확장하여 잠재된 이면에 대해 성찰을 해온 작가다. 인간의 내면, 사회와 역사의 이면을 서사적으로 풀어낸 작품들은 극적인 느낌을 전달한다. 아르투르 쇼펜하우어의 자유의지 개념을 재해석해 인간의 선택은 각자가 처한 상황에 따른 욕망이 크게 작용하고 반사된다는 철학이 큰 골격을 이룬다. 그의 작품은 집단 속에 잠재한 무력함과 인위적인 갈등 구조를 포착해 광장과 권력, 그리고 사회적 긴장에 대한 메시지를 표현하고 「Piece」 시리즈는 감정과 기억의 파편들이 재배열되면서 현실 사이의 모호한 경계가 구조화되고 왜곡되는